visite guidée pour des individus au le chef-d’œuvre de Léonard, la Cène de Léonard
Info & Booking
Journalier comme suit :
En anglais : 09:30 et 15:30
En italien : 10:00 et 16:00
La réservation doit être faite avec au moins un jour ouvrable d'avance.
La sauvegarde du chef-d’œuvre de Léonard requiert des conditions environnementales optimales, obtenues grâce au traitement de l’air, ce qui nécessite par ailleurs des procédures particulières pour l’accès des visiteurs, admis par groupes de 25.
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Fermé tous les lundis et les jours suivants : 1er janvier, 1er mai, 25 décembre.
Les visites durent 15 minutes pour un nombre maximum de 25 personnes à chaque fois.
La Céne de Léonard de Vinci
On peut découvrir dans le réfectoire de l'église Santa Maria delle Grazie, construite au 15ème siècle, un des plus grands chefs d'œuvre de toute l'histoire de l'art : La Cène, peinte par Léonard de Vinci. Cette œuvre, ainsi que la magnifique église de la renaissance et son réfectoire annexe, a été commandée par Ludovic le More (ou Sforza).
Le Duc Ludovic le More choisit justement l'église Santa Maria delle Grazie, fondée en 1463, pour en faire son mausolée ainsi que celui de sa famille. En 1492, on commença la construction de la nouvelle et gigantesque tribune, surmontée par une coupole décorée de graffitis. Le projet architectonique est de Bramante auquel on doit aussi le portail en marbre, la vieille sacristie et le petit cloître, dit " des grenouilles ". Les fresques que l'on découvre à l'intérieur de l'édifice ont été peintes par des artistes lombards de la Renaissance : Butinone, Zenale et Gaudenzio Ferrari.
C'est en 1494 que Leonard de Vinci fut appelé à enrichir cette même église et chargé de couvrir de fresques le mur situé au nord du réfectoire. Sa tache se termina en 1498, un an avant l'invasion des français à Milan. Cet événement historique mit justement fin au projet de sépulture de Ludovic le More. La peinture aborde un thème cher au 15ème siècle florentin, la représentation du drame eucharistique au moment de l'annonce de la trahison de Judée : Léonard réussit à l'interpréter de façon moderne en donnant une particulière emphase à la réaction émotive des personnages. Il a su représenter le regard des apôtres et l'interrogation d'effroi de Pierre à Jean, à droite du Christ, qui lui demande à qui il se réfère quand il parle de trahison.
La scène se passe dans une salle avec un plafond à caisson, ornée par de fausses tapisseries aux murs, ouverte sur le fond par trois fenêtres, et illuminée principalement par la gauche. Cette lumière devait correspondre certainement à la réelle illumination. Léonard de Vinci a pu ainsi reproduire nombreux phénomènes observés dans la nature, comme la propagation des vagues en cercle quand l'eau est parcourue par un caillou, comparée à l'effet des paroles du Christ sur les apôtres, ou l'expression de l'état d'âme de l'homme à tous ages.
Le résultat de la force émotive représentée dans les œuvres de Léonard surprend toujours le spectateur.
Les trois lunettes placées au dessus de la dernière Cène, conçues par Léonard, mais exécutées probablement par ses élèves, représentent les armoiries des Sforza. Elles reprennent en peinture celles qui en réalité ornaient les façades des églises et des palais.
L'œuvre a eu du mal à se conserver dans le temps et elle s'est de ce fait détériorée rapidement. La cause principale fut la technique employée par l'artiste qui s'est révélée moins résistante que celle utilisée pour peindre les fresques : le chef-d'œuvre est en fait une technique mixte d'huile et de plâtre. La restauration et la consolidation de l'oeuvre au cours des siècles successifs à sa création n'ont pas permit de fournir un état de conservation suffisant.
Toutefois le Cénacle, ainsi que la Crucifixion, fresque de Montorfano que l'on trouve sur l'autre mur, a su résister aux bombardements, quand le reste du réfectoire s'écroula, de la 2ème guerre mondiale. Aujourd'hui le Cénacle de Santa Maria delle Grazie à Milan rouvre au public après vingt ans de restauration. Ceci a permis de récupérer des fragments originaux de la peinture de qualité si élevée qu'il est enfin possible, même dans sa fragmentation, d'en saisir la réelle beauté.